Réalisé en trio dans le cadre d’un projet vidéo, ce packshot avait pour objectif de sublimer un objet du quotidien : la montre. Si le tournage a été collectif, le montage et le message étaient personnels. J’ai choisi de raconter une histoire, celle du temps, de sa valeur, et de notre façon de le porter.

Mon approche s’est articulée autour d’un concept simple mais puissant : « Le temps, c’est de l’argent. » Une aiguille qui s’accélère. Un rythme qui s’intensifie, mais qui se stope net comme pour rappeler que chaque seconde a un coût et qu’elle ne reviendra jamais.

Une mise en scène élégante en studio, des plans serrés sur les détails horlogers avec une caméra macro et un travail de lumière précis avec des LED, au travers du montage, j’ai voulu transmettre la précision, la beauté et la valeur du temps. Ce n’est pas qu’un objet que l’on filme : c’est une expérience, un statut, une philosophie de vie. Le texte épuré vient ancrer cette idée : « Le temps est notre bien le plus précieux. Chaque seconde qui passe ne revient jamais.»

Ce packshot se décline en trois temps : - La Valeur du Temps — une prise de conscience. - L’Art de Maîtriser le Temps — la précision suisse, l’excellence dans chaque détail. - Porter le Temps, Porter l’Excellence — le luxe discret, l’élégance à même le poignet.

Mon objectif ? Faire ressentir au spectateur que cette montre ne donne pas simplement l’heure. Elle donne du sens. Elle incarne l’exclusivité, la maîtrise et le prestige de l’horlogerie genevoise.

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Dans le cadre d’un exercice de modélisation 3D, notre enseignant nous avait mis à disposition une série de tutoriels à suivre pour créer une boîte de conserve réaliste. Une fois la modélisation achevée, nous devions y appliquer notre propre design d’étiquette — un élément graphique personnel, imaginé et conçu par nous-mêmes.

J’ai choisi de créer une boîte de nouilles en conserve venant de Medellín, en Colombie. Pourquoi ce choix ? Parce qu’il m’est profondément personnel. Ma mère est colombienne, et même si je ne suis allé en Colombie qu’une seule fois, à l’âge de huit ans et ce souvenir me marque encore. Depuis, je ressens le besoin de me reconnecter à mes origines, de m’imprégner davantage de cette culture qui fait partie de moi, mais dont je me sens parfois un peu éloigné.

Pour l’étiquette, je n’ai pas cherché à représenter Medellín de manière littérale ou traditionnelle. J’ai choisi un design aux couleurs contrastées : une boîte rose avec une écriture verte. Ces teintes ne sont pas directement issues du drapeau ou de symboles culturels, mais elles ont une valeur personnelle forte. Le vert, pour évoquer la nature luxuriante que j’ai découverte là-bas, et qui m’a profondément marqué. Le rose, parce qu’à mes yeux, la vie était belle quand j’y suis allé — pleine de lumière, de joie et d’émerveillement. Ce contraste visuel traduit ce que j’ai ressenti : un équilibre entre nostalgie, vitalité, espoir et souvenir.

Créer ce design, c’était une façon de faire ce lien. D’un côté, il y a la Colombie, mes racines, mon identité. De l’autre, les nouilles, un plat simple que j’apprécie énormément et qui évoque un certain réconfort.

Ce mélange peut sembler inattendu — une boîte de nouilles version Medellín, ça n’existe pas vraiment — et justement, c’est ce qui m’a plu : créer quelque chose d’original, hybride, à mon image. Un produit fictif, oui, mais porteur de sens, de souvenirs, et de goût.

Au-delà de l’exercice technique, ce projet m’a permis de lier design, culture personnelle et créativité, en donnant vie à un objet qui raconte une part de moi.

Ce projet, réalisé dans le cadre du cours de 3D sur Blender, nous proposait de concevoir un plan-séquence immersif qui traverse trois ambiances distinctes mais liées, chacune exprimant une humeur, une temporalité et une énergie propre. Pour moi, le design d’intérieur n’est pas qu’une question d’esthétique : c’est une manière de m’approprier l’espace pour m’y sentir en accord avec moi-même. J’ai donc imaginé trois pièces : chambre, salle de bain, salon.

- Chambre - Intimité & introspection :
Premier lieu, premier souffle. Ici, tout est calme, feutré, enveloppant. Une lumière tamisée, des couleurs apaisantes et des textures douces installent un climat de sécurité. C’est un refuge mental, un endroit pour se retrouver. Chaque détail y est pensé pour apaiser, ralentir, respirer.

- La salle de bain — Renouveau & purification :
On entre dans une bulle de clarté. L’eau, la lumière et les matériaux réfléchissants évoquent la régénération. L’ambiance est fraîche, presque thérapeutique. C’est l’espace du cycle quotidien, celui où l’on se nettoie physiquement et symboliquement, prêt à affronter ou refermer une journée.

- Salon — Convivialité & ouverture :
L’énergie change. On entre dans un espace vivant, chaleureux, vibrant. Couleurs terreuses, matières confortables, lumière modulable… Le salon devient le cœur battant de la maison, celui où les liens se tissent, où les rires résonnent, où l’on est à la fois chez soi et tourné vers l’autre.

Le lien entre ces trois univers est assuré par une caméra en mouvement continu, comme une respiration fluide traversant l’intime, le soin de soi et la sociabilité. Un fil conducteur subtil relie les ambiances : textures, lumière, détails décoratifs récurrents, pour créer une cohérence émotionnelle malgré les contrastes visuels.

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Dans le cadre d’un cours de photographie, nous avons travaillé en trinôme sur la réalisation d’un packshot de trois images. Le choix du produit était libre : nous avons opté pour les parfums. Ce choix s’est imposé naturellement, chacun de nous possédant une large gamme de flacons aux designs variés. Cela nous a permis d’explorer différentes formes, textures et ambiances visuelles, en enrichissant notre projet par cette diversité.

Mais photographier un parfum, ce n’est pas capturer un simple objet — c’est évoquer l’invisible : l’odeur, la sensation, l’émotion. L’univers du parfum est intimement lié au luxe, à l’élégance, à la suggestion. Chaque image devait non seulement séduire, mais aussi transmettre la fraîcheur, la subtilité ou la profondeur de l’essence qu’elle représentait.

Nous voulions que l’image parle au sens olfactif, qu’elle fasse presque sentir le parfum. Car un parfum ne se choisit pas au hasard : il doit fusionner avec la peau, révéler une identité, une présence. Et c’est cette complexité invisible que nous avons cherché à faire exister visuellement."

Ce projet avait pour objectif la conception d’une exposition virtuelle autour d’un thème libre. J’ai choisi de mettre en scène deux parfums emblématiques de Jean Paul Gaultier, un choix guidé par l’envie de valoriser un objet du quotidien porteur d’identité : le parfum.

Dès le départ, une contrainte technique majeure a orienté mes choix : l’intégration d’objets réels, scannés et modélisés pour une restitution fidèle en 3D. J’ai donc sélectionné des éléments à la fois accessibles et cohérents entre eux, afin de créer un univers visuel fort et narratif. Le parfum, en tant qu’objet sensoriel et symbolique, s’est rapidement imposé comme fil conducteur.

Le cœur de mon travail a consisté à concevoir un espace d’exposition dont l’architecture intérieure et extérieure dialogue visuellement avec l’univers des parfums présentés, et révèle pleinement l’univers esthétique. L’ensemble a été réalisé sur Blender, avec pour ambition de créer une expérience immersive.

L’architecture du musée s’inspire directement des codes emblématiques de Jean Paul Gaultier : les fameuses boîtes métalliques cylindriques, les silhouettes sculpturales des flacons, et l’identité visuelle marquée par un jeu de contrastes entre la couleur et le chrome. Chaque détail, comme les textures ou l’éclairage, aide à retrouver l’élégance audacieuse et le style unique de la marque.

Enfin, la bande sonore joue un rôle central dans la mise en scène. Elle est soigneusement sélectionnée pour participer pleinement à l’ambiance et à l’identité émotionnelle de l’exposition. Elle renforce l’expérience sensorielle du spectateur et contribue à créer une concordance globale entre visuel, objet et narration.

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Au cours d’un workshop intensif d’une semaine dédiée à la 3D, il nous a été proposé de créer une série de trois affiches liées entre elles par une même essence visuelle. À travers cette exploration visuelle, nous devions incarner une matière choisie. J'ai choisi l'émeraude.

Pourquoi ? Parce que cette pierre précieuse incarne tout ce que j’essaie de transmettre dans mon travail : une beauté brute, une profondeur symbolique, et une force silencieuse. Elle est à la fois mystère, lumière et reflet.

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L’architecture du musée s’inspire directement des codes emblématiques de Jean Paul Gaultier : les fameuses boîtes métalliques cylindriques, les silhouettes sculpturales des flacons, et l’identité visuelle marquée par un jeu de contrastes entre la couleur et le chrome. Chaque détail, comme les textures ou l’éclairage, aide à retrouver l’élégance audacieuse et le style unique de la marque.

Enfin, la bande sonore joue un rôle central dans la mise en scène. Elle est soigneusement sélectionnée pour participer pleinement à l’ambiance et à l’identité émotionnelle de l’exposition. Elle renforce l’expérience sensorielle du spectateur et contribue à créer une concordance globale entre visuel, objet et narration.

Dans le cadre de cet exercice, j’ai été amené à choisir une photographie existante et à la reproduire fidèlement en studio, en travail individuel. Ce projet avait pour objectif de maîtriser l’éclairage, les fonds, les accessoires, ainsi que les réglages techniques de l’appareil photo.

Nous devions trouver l’image de référence sur le moment. Je suis tombé par hasard sur une photographie que j’ai trouvée immédiatement captivante : esthétique soigné, simplicité visuelle, mais grande force symbolique.

Ce projet m’a permis de :
- Diriger un modèle et gérer l’ensemble du set.
- Créer une direction artistique précise à partir d’une référence.
- M’occuper de la mise en scène, du stylisme, du cadrage, de la lumière, et de toute la postproduction.
- Gagner en autonomie dans la gestion d’un projet visuel complet.